这次展览的生成源于天津美术学院与德国卡尔斯鲁厄国立造型学院的交换生项目。在中国驻留期间，艺术家把德国当代艺术中的逻辑和思维习惯运用到中国的社会生态中。中国社会的复杂性和野生感给了我们更多的材料上的自由和表达空间，找到了更多新的可能性。艺术家对材料的选择和使用会让观众对自己身边的物品有了新的解读空间。艺术家在使用某种材料时会去掉我们熟悉的物品自身带有的文化叙事性，而是单纯以审美趣味来组织重构，这种碰撞是非常有趣的。在这期间艺术家自身的气质会贯穿始终，个人的哲思、幽默、审美趣味会逐渐展现出来。
每个艺术家关注的主题不同，但都呈现出极简或后极简主义美学倾向，这跟目前德国的艺术氛围有关。现场的所有作品都是艺术家根据展厅情况现场临时创作的，这是一些在德国的艺术家的工作方式，我们会现场按照自己的艺术逻辑和习惯或者平时做的草稿重新做作品。所以每次展览都是一种新的探索，都会收获新的可能。每个艺术家对空间的理解和运用的方式都很个人化和更具实验性。在德国开放的艺术教育选拔机制和多元包容的社会环境让艺术家的自我得以完整的保留，因此，每个人可以按照更独特的生活方式来生活和创作。此外，由于博物馆和众多非营利艺术机构的普及，艺术家可以完全不依赖商业来生存和做展览。所以大家对艺术的热爱显得更加的纯粹。通常艺术家都有一份自己的工作来养活自己和自己的艺术。从这个角度讲我们都不是“职业艺术家”，但是我们更愿意做为一个单纯的人，来做一些纯粹的事。
特别感谢成当代艺术中心对此次展览的支持。一次完全非营利、偏实验性的展览尝试，在目前的艺术氛围中是需要保护的，也是极其珍贵的。画廊用实际行动展示了对艺术开放性的包容和团队的专业性。
李慕华作品
李慕华的作品都是用滚子印出来的。由于他的版画经验，他喜欢这种制造重复图案的感觉。这件作品本来是他在德国准为夏季展准备的作品，但是很多因素影响之下没有做成。这次算是完成了一个之前的计划。他把作品看成是行为和绘画雕塑的一个综合体。木头框架他把它看成是一件极简主义样貌的雕塑作品。从木材的选择到固定的方式都是作品一部分。而他所谓绘画则是一种“印刷品”。他觉得他的这种具有后达达主义精神的“滚子游戏”是对绘画的一种消解和反叛。在印刷的过程中的身体状态和瞬间的判断力是影响图像演变的关键。当把它们组装在一起时，绘画和雕塑、装置的概念变得不清晰了。这种概念模糊的复杂感是令人着迷的。他的作品通常会尺幅巨大。他说“我很想知道我的极限在哪里，但是目前总有办法或借助一些工具来完成这些作品。”当画幅巨大时，这些被绘制的重复元素反而变成了一种背景，成为了一切的承载物，成为了一切事物的舞台。
Simon Fischer作品
Simon以前是在德国学哲学的，后期转学艺术的。我一直的艺术品味很好，对旧物品和痕迹有着痴迷的热爱。看到自己喜欢的材料会高兴得像个孩子拿到新玩具。他好像对艺术的热爱没有任何杂质。如果有天才的话，我认为这可能是其中一个重要的特质。他的作品通常很小，随意得像个玩笑。但他能认真的跟你讨论一整天。我刚认识他的画面停留在他非常认真的在刷一块儿橙色的色块的一丝不苟的表情。但是他偶然也会突然出现大作品，那一定是因为他认为这么做是对的。他的生活里好像没有刻意这个词。
这次我陪他在选材料时更是感觉到了他的做出每次选择时的坚定。他特别知道自己想要什么。而且作为完全不喝啤酒德国人，永远清瘦衣衫褴褛的像个苦行僧。
Julia Dörflinger作品
Julia 一直以一堆小画的密集而凌乱排列作为展示方式。隐藏在那些漂亮颜色和痕迹、肌理之后的是一些含糊的关于性的暗示。其实在天津她的工作室已经画了大量的作品了，我建议她直接带过来，但她还是坚持现场创作。她准备好她的各种不同材料就开始在纸上忙碌起来了。在我不经意间，那面墙就被贴满了漂亮的小画。她会在墙上反复固定或撤掉之前的作品，而留在墙上的痕迹也是作品的一部分。墙上的作品与落在地上的作品构成一种偶然性的联系。她认为这个过程是很重要的。我觉得她的作品很有灵气，总有一种举重若轻的感觉。她的性格有一种骨子里的纯真和乐天派精神。重要的是这种气质淋漓尽至的融化在她的作品里了。
Erina Bonk作品
Erina自身仿佛具有某种维多利亚时期的气质，她对东方神秘主义很感兴趣，经常在身上戴很多很有仪式感的饰品。她在德国的工作室里像个女巫的卧室，里面会有一些旧木盒、自己的头发之类的诡异物品。这次来中国驻留的经历令我感觉到了她作品的变化。以前的复杂符号化为更简约的图形，但是那些奇怪的黑色图形和线条仿佛还是能散发出魔性。
展览持续到9月7号。
