策展人徐玉玲在"云南青年国画家40×60展"现场

　　在各类艺术中，国画在社会生活中渗透的广度和深度是其他艺术门类无法相比的。其主要媒材纸和笔，在国人的生活中既平常又特殊。古人用它来书写和记录，是功能性的，今人用它来写书法和画画，属艺术范畴。之间的差距便是古人的生活日常变化为很多今人的艺术日常之漫长途程。总之，国画的渊源流长与纷繁复杂，让我一直不敢碰触中国画展览。

艺天维文化空间工作区

　　去年12月下旬，艺天维文化空间《天上的日子》诗画展开幕后，我心怀忐忑与不确定，首先找老搭档马滨商量2016年春天做一个国画展的可能。12月21日，我以手机短信的形式分别给满江红、戴杰、赵芳、何阿平、桂镜子五位画家发了约稿信，并邀请大家当天晚上八点到摩玛大厦的工作室来坐坐。我想与画家们沟通说明，把他们专业的作品做到写字楼空间，做成一个艺术推广的实验性展览，以提倡让展览变得日常化，引导民众确立看展览只是日常行为的观念。同时告诉大家，观展也可以变成一种生活方式，组成人生的美好部分。

策展人徐玉玲介绍画家和展览团队

　　针对这个展览的定位与想法，我希望得到画家的支持，听听他们的意见或建议。还有邀请谁做学术梳理等问题，看他们有没有什么特殊要求。结果几位画家说，按我自己的想法做就好，他们不干涉。最后，展览时间商定在初春，请大家按照40CM×60CM的尺寸创作，最好是5-6幅新近作品，以往展览过的作品就不在约稿范畴。

　　这个展览，依然沿着我文图呈现的策展方向，请韩旭为大家一幅画配一首诗，尽可能突出国画艺术中诗书画印的传统文化元素。至于展览标题“云南青年国画家40×60展”出现的量化尺寸，是想加强时代认可的时尚感，赋予展览的个性化记忆。其次，请各位画家一人写一篇2000字以内的文字，谈自己的创作观点，告诉观者：自己在画什么？为什么这么画？其目的是与观者形成多层面交流。

　　2016年1月20日交画稿，看了五位画家各自创造的系列作品，读了他们不同的文稿，感触颇多，还有些小激动。我迅速做完装裱，扫描了图片发给陇艺梅，还有远在北京的杨添，很快得到了他们的认同，答应为展览写稿。我如此大跨度选择展览主创人员，是希望有不同修养和成长背景的人，能够从不同角度说相同的作品，让受众听到不同的声音。让我意外的是策划之一侯云峰院长，他的文字论述居然是从艺术生态的视角来看这个展览，使我产生要在原来的策展基础上，多花点力气把这个展览做成艺术推广范本的想法。

本次展览画家和工作团队的颜值

　　春节收假后，我专程去找策划王永刚主编、王宁编辑商量范本式推广的想法，告诉他们本次展览的作品虽然不能完全代表画家的创作面貌，但也是他们创作实力水平的展现。且五位画家都是云南国画专业内的中坚力量，创作面貌各具艺术特色，都已经趋于成熟阶段，是潜力发展类型的代表画家。以他们和他们的作品作为云南国画推广普及案例，既可以引起书画爱好者的特别关注，又可以引导民众自己做选择看展览，而不再是被动接受看展，以增强民众的看展意识，有利于加速提高大众审美素质。

　　感谢两位策划的认同与支持，让展览在《影响力》杂志第三期艺苑栏目以13个版面的规模推出，同时也得到云南日报文化艺术版块的大力支持，使本次主创人员的学术观点、赏析文字、艺术推广导向，在展览同期得以整体呈现，最终使展览推广的范本成形。这个过程告诉我们：一个展览作品的形成，是通过 一个一个的日常工作完成的。而在逐渐完成工作的日常中，结果会随着预想不到的变化而产生变化……

　　艺术家就更是如此啦，他们今天的成就是一个个日常的积累，是青春和生命过往的铺成。而他们的创作也是一点一点的形成，一段一段的变化……

　　满江红，在五位画家里，我最不熟悉，认识最晚的也是他。倒是他的画让我过目不忘。还有他与郭怡孮的师承关系，更加深了我对他的关注。满江红的胡杨林组画可以说是我最喜欢的，画面中北方的辽阔，空旷透亮的寂静诗意，如同挂在胡杨枯枝上的希望，映入人的眼睛。热带雨林系列，走出前人的密满，贴上自己俏丽秀雅的符号。此次参展的作品竹露清响系列，格调高古，是满江红小写意创作实力的又一次展现。其画面语言在是与不是的意味中迷糊了为画配诗的韩旭，写了六首芦苇荡，待交稿来空间看到展墙上的画，自己笑了：我现在就改，改回竹子。

　　我说：不改也没关系，物像错了，诗意在就好。

　　戴杰是画家群里的真帅哥，他和他笔下那些风情万种的少数民族盛装女子，牵动着我们云南人对这块土地共同的记忆。聚在一起说展览那天，才知道他是通海人，冲着这份乡情，收文字稿时我在电话里问他：你的文章要是有不合适的内容可以调整吗？他非常爽快地说：徐姐，要是内容与展览有不合适的地方，你直接处理就是了。戴杰传达给我的率性，还有他干净的文字，一如他人的形象。展览作品“秋声系列”写意人物，他把六幅作品放置在一个共同的环境里创作，赋予画面中的乡村少数民族女子以本真的情态，向观者叙述了她们拥有的日常。相比广袤天地，她们很渺小，却隽永存在。我想，所谓“画小气大”就应该是这样吧，同是审美情趣之所在。

　　参展画家中赵芳是唯一的女子，她与我是有故事的。很久以前，玉溪市有个叫高地公园的地方（现在的聂耳公园），其实是几家文体单位的大院子。文联在里边，赵芳家也在里边。我是文联的小姑娘，赵芳是院子里的中学生，我们一天要见好几次面。她那时很少说话，见了大人眼睛是往别处看的，只给人留下胸前不长不短两条晃动的光滑辫子，还有每天中午提着多层饭盒到食堂打饭的模样。

　　再见赵芳，她已是师院的老师，笑微微对人的样子真漂亮！“女大十八变”这句话，我第一次用就是形容赵芳。之后看她的画，做她的展览，了解她越多越觉得才是开始。这次的参展作品煤油灯系列，让我看到她在繁尘中给自己内心选择的宁静。

　　我问赵芳：为什么一边是《火烈鸟》的恣意绽放，一边要这么安然若素的涂抹？

　　她说：徐姐，我觉得交叉创作可以调节自己的状态。用您写作做个比喻吧，如果说《火烈鸟》是小说式的高度集中宣泄，那画煤油灯能让我像写散文或随笔一样回到轻松自如。

　　我说：你的构图为什么要画那些竖的线？如果没有，不是更纯粹安静吗？

　　她说：我想要那些竖立的线来装饰年代感，增加画面的古典气息。

　　这样的赵芳如画，画如她的人生，文思古意悄然鲜活地流动在她的生命里。

　　师从张志平先生的何阿平，是遵循老师临摹—写生—创作训导，一点一点画出来的。很欣赏他来交画时的平实和坦荡：我是只有勤学苦练的份儿，坚持了十几年，作品密满的样貌还在王晋元先生的语境中，着色承接了些云南重彩的东西，幸运的是我逐步找到了自己的面貌，不过，才是开始。阿平没有回避借鉴，告诉我这次参展的小尺幅作品，也是根据写生观察，对大自然进行记录的创作。其中，“朝露”“正午”“春辉”“夏羽”，凡有时段和节令的画幅变化，都是通过常年带学生去采风写生中找到的自然规律，从规律变化中获得创作灵感。他画得让人感觉有点“笨”，但把物像视角处理在是与非之间的感觉很好，富有云南土地味道的色彩也很洋气，还有画面的挺拔和坚实，都表现出阿平不容忽视的创作实力，让人更加期待他往后的创作延伸。阿平在文章里表达的创作观点很明确：让作品保持古雅的墨韵色章，突出当代云南重彩元素，厚重明亮地呈现地域特点，追求创作无局限是他的目标。

　　最初了解桂镜子，是前几年的事，听说他的画卖得很好，特意找到卖他画的画廊去看，那些着色纯正、造型准确的花鸟作品固定了我的记忆。真正熟悉镜子是2015年秋天书画院采风同行的八天，回到昆明，偶然在他办公室看到正在画的册页本，画幅不大，题材是没骨竹子，让我心动。邀请他参加展览才知道，没骨是他开始了大半年的创作计划——回到宋元。已经画了二十多幅，计划画三年，在恰当的时间做个人画展。参展的六幅作品很现成，随手组合就交来了。从作品中可以看到，镜子“回到宋元”的创作研究初见成效。画面构图是他的强项，纯墨色的鸟儿形态自然祥瑞，桃花柳絮中“枯枝”的笔墨意气呈现清晰。镜子画进去了，我们期待他再画出来，画出宋元的高古，创作出宋画的深远意境，再把意境中称之为人文气息的大象丰富到他往后的创作中。

　　以年龄大小为序，我们逐一了解了一遍参展画家。他们和他们的艺术，是组成这个展览的主体。但一次成功的艺术展览，是由策划定位、策展人观点、学术梳理、展览统筹实施、艺术推广等构成的。而本次展览凸显了在日常推进中逐渐完善，最终完成展览策划，形成完整的展览作品，也从另一侧面佐证了艺术与日常的本质关系。

　　当然，也意在力求把传统与时尚的策展表达，个性化与形式美的呈现相结合，同时能让观者看到云南中国画发展中不同时期的痕迹，如王晋元的热带雨林“大密满”气象，云南重彩的创作元素，观者不难从作品中发现既地域又无界的审美格调与追求。如果说前人的日常堆积出他们的艺术成就，那么今天的云南青年艺术家无论教学、写生、画画、参加展览，同是用一个个日在常积累他们往后的成绩。而展览，是促进艺术成为日常不可或缺的主要构成部分，其空明之境必定会将凡俗的日常照亮，让日常生活因艺术之美而值得、而尊贵；让艺术也因其所构筑的诗性日常而获得亲和力。

　　作为策展人，我想做的也正是在把艺术带入日常，还生活以空明诗性的同时，为艺术找到永居人世的途径。因此有了这个展览，有了这个展览的整体创意与呈现方式，展览执行的整个过程注重了细节的穿插，空间格局的利用，学术梳理的专业性，媒体推广的结构，画册印制的编排，包括对8开画册240mm×360mm的选择，也是为了呼应展览作品40cm×60cm的尺寸。我将在这个策展的新起点跟进工作，不断总结完善，一步一个脚印持续我的展览人生。用艺术的日常与空明之境照亮我投身展览事业的普在与拥有。