艺术家工作室-小谷元彦 树脂雕塑作品

　　编译：黄 辉   图片提供：山本现代画廊    摄影：木奥惠三

　　还在杜尚生活的时代，雕塑就成为“已死”的艺术。在当代语境下，如何延续雕塑的传统美学价值？雕塑的形式语言是否还有突破的可能性？雕塑与其他媒体如何实现互动？

　　日本当代艺术家小谷元彦植根于传统，吸取西方雕塑现代语言，采用非传统的媒介和手法，通过不断思考和探索，寻求雕塑艺术自身的突破和发展。通过他的作品与创作思路，我们或许可以发现，在当代语境下，雕塑艺术发展的另一种可能性。小谷元彦1972年出生于日本京都，京都浓厚的传统文化氛围一直影响着他的创作。他毕业于东京艺术大学雕塑系，自1997年举办第一次个展以来，已在日本及海外举办个展7次，还参加了2000年长谷川佑子策划的里昂双年展，2002年的光州双年展，2003年代表日本参加第50届威尼斯双年展，作品深受国内外好评。

　　形&无形

　　2009年12月17日至2010年3月28日，东京银座爱马仕8楼Le Forum展厅，小谷元彦的新作“空”(Hollow)系列在此展出。作品不仅是艺术家一直以来创作观念的延伸，也反映了他在创作思维、艺术手法上的新动向。

　　“空”展上，艺术家从他的新作中挑选了8件作为展示，在这组新作中，小谷元彦尝试以人类身体作为媒体，将空气环绕身体的动势形象化、视觉化。在我们周围，重力、浮力，或者从我们身体中散发出的气体环绕我们的身体，它们不断流动、变化，但我们却看不到，甚至都感觉不到。“空”隐含了悬浮在半空或者水中的状态，处于这样的环境中。当重力矢量发生改变时，或者我们压制心理或者生理的狂喜时，我们的身体就从正常的重力中释放，变得扭曲，超越当前的维度。小谷元彦正是捕捉身体扭曲、回转、跌倒，或者像空壳一样漂浮在空中时的动态，通过拆解、重建，构成雕塑，表现这些非正常情况才会出现的瞬间动态。

　　为了形象地表现出这样的动态，小谷元彦有意选择树脂作为创作材料，相比大理石、木、或者青铜而言，树脂材料轻薄、稀疏，非常适合“空”这组作品。“很难找到像透明树脂一样的材料，以反应人的感受和情感。”小谷元彦有意利用树脂本身的自由感来塑造物体。对于那些站立在作品下的观众来说，重力似乎已经消失，他们就像漂浮在空中的作品，挣脱重力，超越束缚，在静谧中，身体觉醒、伸展，不断向上升腾。

　　就作品本身而言，雕塑的基本概念在于展现一个由材料构成的实体，是一个真实存在的物体。当灯光照射时，它们自然地就会投下阴影。然而，这次展览的目的之一就在于改变这种传统的观点，小谷元彦开始质疑雕塑本身的观念，试图创作脱离阴影的雕塑，具有否定意义的雕塑。“空”着眼于雕塑及其阴影的关系，试图将一些我们称之为“存在”、难以捉摸、像影子一样的物体当做创作构成，塑造出来，他们就像空气中蒸汽形成的形象一样。他尝试将这种像蒸汽一样的存在转化为人类形象或者类似的物体。在白天，当整个展览空间充满自然光时，这些作品呈现出半透明状态；在夜晚，灯光照在这些雕塑作品时，它们就呈现显著的白色和清晰可见的阴影，阴影和实体相矛盾，却又相互映衬；形与无形相悖，却又相互依存。

　　新生

　　在“空”展中，艺术家将“新生”系列中的新作加入展览，使得本次展览体现的丰富性和主题性都具有多种维度。艺术家尝试在雕塑的多元性和概念性上展开新的探索，“新生”这一系列正是这一尝试的结果，小谷元彦在掀开艺术创作新的一页时，他被意大利未来主义画家和雕塑家波丘尼(Umberto Boccioni)对雕塑的观点深深吸引。“现在，我怀着对未来主义强烈的兴趣，关注如何通过雕塑表达运动、变化、动力和速度。”然而，就小谷元彦而言，他所关注的在于如何重新看待日本雕塑的历史，“我不知道说它的演变过于缓慢是否确切？但我却分明地感受到一种历史延续性的缺乏感和断裂感，尝试对此做一比较。我想通过最短的可能距离，发现某些不同之处。”在这些不同的基础上，延伸出艺术家的创作之路。

　　“新生”的雏形是2003年完成的《骨架》，在此基础上，小谷元彦在2007年创作了这一系列。在透明的玻璃柜中，奇形怪状的白色骸骨盘旋其中，构成了优雅的曲线，作品的局部如齿轮，如花朵，如绳索，复杂而精细，它们是螺旋状的菊石和鲨鱼牙齿的混合体。骨骼是形成生命的开始，也是对先祖生命的追寻，它们象征了生命的循环、冲突和死亡。这些类似化石标本的形象仿佛来源于某个非现实世界，它们由螺旋式的曲线构成，具有强烈的形式美，还具有飞龙一般的动感，一种令人不安的活力跃然于艺术家惊人的准确塑造上，它们是艺术家强有力意图的表现。作品本身的结构和位移、分散和组合都反映了小谷元彦对雕塑形式语言的探索以及对传统美学的拓展。

　　在这组作品中，小谷元彦将他钟爱的白色发挥得淋漓尽致，他采用了不同色度、明度、不同材料的白色，突出白色作为雕塑质地的显著性。对白色的依恋，始于艺术家曾经看到过的一部纪录片：有一个盲童，在她第一次睁开眼晴时，她看到的色彩是白色，她觉得光的颜色就是白色，当白色扑进她的眼中时，她变得害怕了，因为她已经习惯了黑暗，她又闭上了眼睛。正是从听说这个故事以后，小谷元彦开始沉溺于白色。“正是因为这样，我近乎盲目地对每一种白色的事物感兴趣，在我们认为是素净和原始的物体中，能发现完全不同的形象”。在艺术家眼里，白色是世界的本原色，有机体在福尔马林中浸泡之后，色彩尽褪，只剩下白色；人类也是如此，当我们只剩下骷髅之时，我们也变成了白色。

　　观念&媒介

　　除了“空”和“新生”系列展出的作品外，小谷元彦也在其他作品中，从不同角度探索雕塑的材料性和表现性，《幽灵骑士》(2009)、《Hallucigenia》(2009)、《面具》(2007)、《Human Lesson》(1996)这些作品既反映了艺术家创作的连续性，也体现了其中的差异性。

　　《幽灵骑士》是小谷历时三年完成的作品，艺术家深受京都传统文化影响，对各种各样的佛像、小雕像和日本亚文化怀着浓厚的兴趣。艺术家采用缜密的雕刻技术，塑造了一位手持战刀，在马上驰骋的武士形象，人物、马匹表现出的张力和武士严峻的表情和诡谲的身体形成强烈的对比和夸张的表现，淋漓尽致地表现出了一种创痛感和空虚感。小谷元彦将传统的雕塑形式以非传统的材料和方式表现出来。

　　在《幽灵骑士》里，布、马鬃直接用于创作中。此外，天鹅标本、动物标本、鲨鱼牙齿、马鬃、毛发、血液、FRP(玻璃纤维增加塑料)、钢铁、不锈钢这些种类繁多的材料都是艺术家创造作品的材料。小谷元彦采用不同的材料制作不同的作品，对他来说，最有意思的是将物质形象化的操作过程，艺术家的目的是在雕塑中把握某些东西、某些“观念”，作品的目的在于使时间视觉化，使动态物质化，使观念形象化。

　　除了材料本身的探索，小谷元彦还采用多样的手法和多种媒介创作作品，包括影像、摄影，寻求雕塑语言发展的可能性，他制作视频，他采用动态影像与三维作品产生一种共鸣，与雕塑作品产生一种循环关系。在这个过程中，艺术家发现其中最有趣地反映了“暂时性”——自有人类存在以来，时间就沿着一种已确定的顺序，以线性的方式向前，只有上帝具有扭转这一切的能力。然而，移动影像不动声色地转化这种暂时性，当他发现这一点时，小谷元彦觉得雕塑也是对这种暂时性的修改，使瞬间成为永恒，使动态成为形象。制作雕塑也是在控制或者剪切时间，从这层意义来说，动态影像和制作雕塑都做着相似的事。在寻求雕塑物质性的过程中，小谷元彦通过立体、平面和多维的形象表达其艺术观念和想法。

　　小谷元彦借用日本传统美学，以当代艺术的创作语汇，结合细致缜密的日本艺术技巧和前卫的艺术理念，剖析日本社会当前面对的现实问题，存在的更加普遍的自相矛盾的心理困境和遭受的伤痛。同时，艺术家保持着将雕塑作为媒介批判性的观点，分析西方雕塑悠久的历史，关注日本雕塑自身的传统和在接受西方雕塑观念之后的改变，以自身所处时代和环境出发，探索雕塑发展的可能性，成为日本当代艺术的重要组成部分。

　　在媒材使用上，小谷元彦自由地穿梭在一系列艺术媒介之间，采用具有突破性的材料，利用雕塑、装置、影像和摄影等表达方式，打破传统雕塑的限制，将雕塑和混合媒材装置、摄影、影像结合。通过这些的组合和表达方式，小谷元彦用全新的创作语言开拓新的艺术形式。

　　小谷元彦的作品采用具有现代感的表现语汇，不同的材质，细腻的表现手法，使作品呈现出独特的视觉效果，和尖锐的原始感触。小谷元彦将痛苦、恐怖、不安这些直观的感受作为艺术创作的源泉，将抽象的身体感觉和精神状态通过雕刻具体化的手法表现出来，形成独特而直接的视觉形象。作品展示了艺术家在追求雕塑具象与抽象、传统与革新、肉体和精神等方面表现的可能性。