高等美术院校的中国画学科是以传统绘画为基础，并增设了素描、色彩和现代绘画的其他元素而成的混合性教学模式，历来备受争议。有争议并不可怕，只要能有效地将这些混合因素融人民族精神的价值体系里，就是我们努力的最终目的。

　　中国画教学基本沿用了传统的程式化教学方式。多年来有所增设，但意义不大，实践证明程式化教学是行之有效的。

　　临摹课的教材大都选用《溪山行旅图》、《早春图》、《万壑松风》、《富春山居图》、《庐山高》等历代经典绘画，临摹时间大约一年。

　　通过较长时间的临摹，可以了解和掌握不同时期和不同流派的绘画技法。如《溪山行旅图》的用笔节奏，《早春图》的水墨变化，《万壑松风》的皴法演变，《富春山居图》的材质运用等。

　　以“笔墨”为体系的传统绘画，是我们传承的重要课题。“笔墨”是绘画的载体，也是母语，它有极高审美价值，“笔墨”已成为艺术家共享的集体概念。具体的临摹要求是要多用中锋，主物体用线要沉稳中见流畅，变化中求统一。注意墨色与水分的关系，淡的部分也要用笔墨画出它的层次，尽量少染。

　　通过临摹提高自己的鉴赏水平和审美能力。写生的宗旨是感悟生活，致美其中。

　　写生是国画教学中的主要课目，目标十分明确，坚持写生是为了在创作中观照生活。失去了对现实生活的关切和热诚，艺术的生命力必然会丧失。写生时善于捕捉生活中的审美视角，把物体转换为线条来描绘，多画结构，多用线，不怕难看，画得多就会好起来。用笔不宜太快，分清主次，边画边感受，快慢是依据自己的感受来调节的。画面要有纵深，要有空间，不能太平面化。画面灰了不要急，放在最后来调整，把黑的部分加重，灰的部分就会亮起来。画到七八分就停，不可过分追求完美。前后要拉开距离，前面暗，后面则亮，反之亦然。画中物体相互交融，不能有分割感。尽量少染，多皴擦，求空灵感，“文武之道，一张一弛”就是这个道理。空间是有厚度的，虚虚实实才有意趣。   用线长是为了顺畅，用线短是为了节奏，没有变化就没有感染力。墨色是调出来的，调好后吸掉多余水分，亦浓亦淡，生动自然。面对繁杂的事物时，不要把技法摆在第一位，观察细致，重组有力，几分感受，几分真实。物体不能相互孤立，要相互照应，达到统一。黑白反差不能太大，要有灰面来过渡。画的前期不怕花，就怕死；画的后期不怕死，就怕花，重在对境界的表达。画速写要多多益善，每年至少画两本。山水画的速写与人物画不同，山水画的对象相对稳定，人物的对象不断移动。山水画的速写宁慢勿快，边画边观察。每天画完时要有记录，有了速写日记，将受益无穷。

　　建筑与树相互重叠时，要相互避让，谁先谁后，看画面的需要，建筑物最忌缺边少角。    树要先画主干和主枝，留意树的姿态，小枝穿插要疏密得当，要适当强化中枝。树的用线要长些，注意枝的走向，要有层次，要有组合。

　　山水画主要是由山和树组成的，要多画些树木、山石，对不同地域的生态特性加以了解。画面要有中心点，其他可以放松一些。

　　构图要做到“胸有成竹”，物体的相互布局精心安排，大胆裁减，着意空间。山要从形体着眼，弄清主要结构。画时要强化结构线，结构线不宜过多变化，皴擦是为了体积，要依势而行。山顶的小树，草类不要强求，可用干笔皴擦出感觉即可。在厚度和空间感上多下功夫。近景画质感，中景画动态，远景画感觉。

　　选景极为重要，不是什么都可以画，有选择才有重点，少加多减才能做到“以一当十”。近景重质感，中景重动势，远景重感觉。中景的树最有动态，中景的山最有形体，中景的建筑物最有组合，所以山水画多把中景作为重占、来画。画面难处理的地方可以先留空，考虑成熟再画上去。写生时不要被客观事物牵着走，要主动。物体不能转换为线时就不能进入画面。创作与写生不同。一个是高于生活的艺术行为，一个是对生活实体的真实记录；一个是

　　以艺术为本质的创造美，一个是以实体为特征的象征美。王国维在《人间词话》中讲的“创境”和“写境”就有严格的区别。创新是对常规而言的，要多些逆向思维，要少些顺向思维。

　　审美意识的差异决定了不同的价值取向，如果创作能在较高的审美层面进行时，其创造力会消解技法的不足。另辟蹊径才会有个性化的艺术，才会有风格的确立。

　　当创作定稿后就要死心眼，不要变来变去，要敢于重复，要有冲动和表现欲望，艺术的成功就在其中。日常习作要敢于“涂鸦”，胆子要大，在有意无意中获得快感，中国画往往是意在笔后，而不全是意在笔先。中国画的“笔墨”语言愈强烈就会愈有感染力，艺术形式愈新颖就愈有艺术价值。大的画要学会制作，以弥补技法的不足，历代的大家们都会“做”。上色时先打好底色，再调好色相，依据画面的境界，或偏冷，或偏暖，一笔笔上，不要平铺，不完整时再通染。色度与墨度的关系：色一般不超过墨，淡处也要有墨色。颜色只能作为墨色的补充。如果墨色特佳时就可舍去上色，“墨分五色”也体现了中国画的单纯美。

　　现代国画使用的材料，已经不是传统意义上的材料，就是宣纸也不同以往，要敢于采用新材料、新的画法。

　　艺术创作最怕模棱两可，什么都是，什么都不是，缺乏定位是最不可取的。不要毫无目的地练笔，下笔就要有所求。养成良好的习惯进步就快。兴趣是培养出来的。

　　绘画中的点、线、面，如音乐的音符。线如旋律，点如打击乐，面如乐谱。好的画有乐感，会能动地转化为视觉音符。

　　常规就是平庸，异想才是动力，理智会使人判断，如何掌握全在修养。

　　没有感情的冲动就没有艺术，艺术教育重视“情商”，感情是不能嫁接的。

　　中国画的核心是笔、墨、意、韵，不同的感悟产生不同的个性，艺术风格乜源于个性化的理解，探索的意义在于突破。

　　“笔墨”不是万能的，任何艺术都有它的缺陷，不要作横向比较。

　　艺术的个性化就是构建自我，要保持一种“常态性”。

　　书法与绘画的审美是一致的，要相互借鉴，画家要练好字，多写些帖，少写些碑。因为帖是艺术，碑是文字。

　　学习绘画也要有自己的理念，有自己的人生观和艺术观，要有良知和道义。艺术要建立在对人生的终极关怀上，否则就会迷失方向，过早的功利观是要不得的。

　　现代的中国画是个全新的概念，审美意识有着显明的时代烙印。

　　形式和语言是绘画的灵魂，画好一张画可以靠一时的聪明和灵感，一辈子画得好要靠学问和修养。

　　矛盾是观念与观念的冲突，学会相互包容，文化的多元是一个民族高度文明的体现，也是时代对艺术家的要求。

　　平时讲得很多，对不同的观点希望同学们共同商榷。