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　　采访时间：2009年8月23号

　　采访地点：别克乔治咖啡馆

　　采访人：刘宇 荆菲

　　从一九九九年您的作品《五角星》荣获第九届全国美展金奖到今年十一届美展正好是十年了，回顾您写实创作的十年，相信您一定有许多感慨，借此机会想请您谈一下您的创作历程。

　　冷军：91年我被武汉画院聘为院外画家，从此比较正式的开始了我的油画创作。从第一件作品《马灯的故事》在全国美展获奖后，我连续有五、六年在国家级各类型美展上获奖。当时全国美展比较多，学术水平也比较的高。官办的和民间出资的都有。 91年我的这类作品问世之后短时间内便引起了画界的广泛关注和认可。主要集中体现在油画的技术层面，觉得有些不可思议的技法。其实我当时也不太知道我为什么能画出这样效果的画来。我的记忆中画到这一步应该是一个十分自然的过程，绝对没有预先设定和想象，是在不知不觉中自然画成这样一个结果的……。但有一点要说明的是在学生时期我的素描习作有一个时期画得很细、很写实、很生动！我画的素描石膏像与通常意义上的习作有些不一样，有意无意的我就把石膏像上的那些残缺的痕迹画出来了，把这些痕迹表现在画面上感觉很生动很逼真，感觉很好。而且当时我感觉画到一定程度之后如果没有可深入的细节我就无法体会绘画的乐趣了似的！但是当时在班上同学们都不喜欢这样的画，认为没趣味、没绘画性、很匠气！后来我逐渐也被感染，也觉得绘画的审美和趣味的重要，画面慢慢画得概括和粗放了许多，越画越松动，也很有画味了。我大学毕业后画了不少关于藏民的题材，都是这种方法，很“写”，很“绘画”的样子。甚至后来有一个时期发展成画抽象绘画和表现主义的绘画了。但八十年代后期特别是首届中国油画展之后，我又开始回到写实性绘画，逐渐越画越充分越画越细腻，最后就形成现在这种样式了。很自然的、很本性化的！完全是自然而然的过程，那么这是技术层面；从创作题材和内容上我想有这样三个阶段：第一整个阶段是九十年代上半个时期可归纳成批判现实主义时期。这一时期代表作有：《网——关于网的设计》、《文物——新产品设计》以及《世纪风景》系列、《五角星》系列等。第二个时期是九十年代末代表作品有《突变——有刺的汤匙》、《锯子》、《襁褓》等。这一时期，我自己认为是前一个时期的艺术上的一个升华与跨越。是一种东方的眼光和方式透析现代文明的精神困境与症候。第三个时期集中在对人物的描绘上，回归到绘画本体之中对我本人而言这是一个“玩物丧志”的阶段，也有人说是我的沙龙时期。主要作品是三件人物肖像绘画，即《肖像之相》系列。这个时期有两个层面含义：在我看来绘画一旦脱离了传统、脱离审美很快就会因为其锋芒毕露或亡、或走入结束，因此，这个时期我也视为一个自己回归油画再现的时期。将画面上与绘画无关的东西一概清除，而无需为某种其它的东西所左右或利用，绘画至上审美至上。其次是传统和审美远离我们太久，我们已经很不健康了。这三个时期的不同从这些作品中很容易就能区分出来。第一个时期明显带有愤青的感觉，与现实抵触叛逆，反应比较强烈也比较简单而直观，属于图解式的表达，而且尺幅都比较大，看得出那时的冲动和不可劝解的劲头，有话大声说！第二个阶段的作品舒缓了不少，作品尺寸也小了下来，也不那么直观，有些晦涩和隐藏，观众悟得到而说不出。我十分喜欢这一时期的作品。第三个时期其实是分为两个方面，一方面是纯个人式观念转换，另一方面是想探讨一下传统和审美的回归在当下的意义。

　　通过这么多年的绘画创作想必您对艺术也有了自己独特的看法。

　　冷军：是否能成为一件好的有意义的艺术作品，我总结了三个“度”，必居其一，否则就不是。首先是艺术的宏观角度：这个角度指的是艺术家站在什么样的角度认识艺术和表达艺术，其实就是个艺术世界观的问题。主要作品集中在现当代艺术中，所谓观念性艺术也是说的这个事，拥有一个异于他人的艺术视角就能创造出异于他人的艺术作品，这类艺术家的艺术成果往往是颠覆性的，其艺术地位也自然是最高的。同时，现当代艺术也因为现代社会的开放性导致视角众多，从而也使其流派风格众多，更因为视角众多同时也导致其作品不易被观众弄懂，因为你不可能一下就寻找到艺术家的视角和立场，需要批评家来引导。其次就是表现的深度：主要指的问题揭示的深度和艺术表现的深度。问题揭示的深度往往多见于一些现当代性的作品之中，艺术表现的深度则着重体现在传统艺术的形式表达之中。前者表现为思想性和前瞻性，后者表现为艺术性和趣味性。当然并不那么泾渭分明，它们也相互渗透着。第三就是艺术审美的高度：这类作品审美意义大于一切，大部分只体现在传统艺术审美和趣味之中。这类作品往往需要艺术家具备极高的艺术涵养，广博的知识储备和学养以及高境界的精神形态等。这类作品往往自有一片广阔的天地，艺术家游离其中自娱自乐、超然出世。高境界的审美也不容易使观众接受，没有一定的审美修养是难以读懂其中的境界！这时的批评家也无济于事，高审美就必须多看、多读而别无它法。

　　那么您的艺术角度是什么呢？

　　冷军：第一阶段的作品主要针对工业文明对我们今天社会带来的影响 ，第二阶段的作品主要表现工业文明之下的精神失落和人性变异，第三阶段的作品视角回望传统、重提审美。三个阶段的视角和立场其实大同小异，都是对当下的关注和批判。只有回望传统重提审美显得保守，但要知道在一片张牙舞爪的浮浪中反到凸现出它的独特意义和价值，静穆和优雅的审美成为一种纠错，显得傲视甚至有神圣感了。最近创作的《圣贤书》的版画就是这样的作品。另外这一阶段在人物的审美的高度和表达的深入度上都做到十分的合理到位，特别是对人物真实性的再现。因为好的设备和条件我能更充分的表达做到真正意义上的再现。

　　也就说对于照相机这种高科技产品，它不仅没有威胁到再现性绘画，反而促进了再现性绘画的发展。

　　冷军：是！想想看过去人画油画人物，没有衡定的灯光，不能保证画室长时间光源不变化，没有空调不能保证模特长达数月的衣着不变，没有照相机，无法保证模特衣服的折纹长期保持不变。没有这些稳定条件去保证画家长时间的制作是很难或很少能画出这样的作品，这也是时代的产物。古人没有这样的条件是很难画出这样的画来的。当然我并不是说我这样的作品有多么了不起，我仅仅只是从技术这个层面来谈。其实你们不觉得外部条件越差内心的境界往往会越高吗？中国传统的审美境界比西方高不就因为材料落后吗？笔墨纸砚而已。艺术同样也有一个向外求和向内找的区分。条件好的向外求，条件不好的向内找。多向内找有好处。

　　有传言说你的人物油画是高科技制作的，是吗？

　　冷军：是有这种说法，而且影响十分的广泛。07年全国第四届全国画院展，我的一件作品《肖像之相——小罗》获画院奖，当时评委不能肯定这个作品是画的，后来据说是拆开了画框研究了一下，结果还是证明是彩喷的。组委会打电话给我证实，我当时很惊讶！居然连彩喷和绘画的区别这些专家也弄不清楚了……。彩喷是影像类，充其量是个照片的效果，普通老百姓弄不清也就罢了，专家也如此就有点不可思义了。后来我给了他们我的绘画步骤才了结这件事。这件事也引发了一个问题：针对现代高科技，我们如何分辨出一件艺术品真实的艺术价值的问题。鱼目混珠的画如何辨别！这次全国十一届全国美展油画展区的评选中，靳尚谊、许江、杨飞云等均提出这类问题：如何对待一件十分“照片”的绘画作品……。为什么一件十分像照片的写实作品会不被认可呢？我想有这样几个原因：首先是抄袭的行为！是指没有个人审美取向的抄袭，纯粹的抄袭照片，自然脱离不了照片的效果。第二，画家本人缺乏审美能力！具备一定审美能力的自然不会全盘照抄照片。第三，缺少绘画性！对照片的磨制会损失很多绘画性的因素。第四，照片的色彩的真实性永远比不上写生色彩的真实性！最本质上讲还是照片的审美水平太低，你想想油画艺术几百年发展早已形成很高的审美趣味，怎么能伦落到只有记录功能的照片上去了呢？我们不能像照片不是说我们就不能运用照相技术，相机和照片对于一个好的画家来讲是个如虎添翼的东西。但也不乏有一些抄袭照片不力的作品反而被误判成好的作品。其实对一件作品的判断仍是件复杂的事。

　　很多人对你的作画手法充满了好奇，你有绝招吗？

　　冷军：是啊！绝招就是审美、感觉和技法！有很好的审美修养，良好的视像感觉，扎实的基本功，另外加上不拘束的手法，有了审美就有感觉，有了感觉你就有方向性了，就知道技法朝哪方面用力，不择手段的表现自己想要表现的感觉就会凭添许多奇迹……

　　去年武汉美术馆开馆之际的“互动”油画展很集中的展出了湖北的写实绘画作品，并且得到了各界的高度评价，请您谈一下湖北为什么会成为写实性绘画的重镇。

　　冷军：这可能跟我省的历史有关，就我所知道的，我省前辈艺术家当中，唐一禾、杨之光、刘依闻以及后来的唐小禾、卢柏森、徐芒耀等都在各个时段为湖北的写实油画作出了杰出贡献。后来又有李全武、郭润文、石冲和我这个分别在上个世纪八十和九十年代活跃在中国画坛，特别是九十年代在全国造成了很大的影响！

　　这几年冷老师去的国家也很多并且和国外的美术馆、艺术家也有联系，您作为湖北乃至中国最具代表性的写实画家，想请您站在世界的角度上谈一下中国的油画都有哪些优势和特点，在世界范围内我们又是一个什么地位呢？

　　冷军：首先，我先谈谈东、西方在艺术理念和审美上的差异。我们知道中国现代的艺术可追溯到秦汉，也就是公元前后，那时绘画材料相当的原始落后加上诸子百家在文化上的作用，艺术理念和审美取向自然比较“形而上”，显得境界高远质朴，而西方艺术主要起于文艺复兴，科学相对发达，艺术材料要先进和丰富许多，特别是颜料等画材的发展，能够满足人们最简单的艺术取向，那就是模拟和再现对象，因此其古典主义成为其最高艺术理想。不难看出，中国人先天骨髓里就具备了历经数千年积淀下来的那种高远的审美修养和深厚的艺术情趣。你说具备这样素质的中国人群面对一个“再现”性文化能有多大的难度呢？中国人又最擅长学习和模仿。具有几千年艺术史的中国人面对几百年的油画历史能没有所作为吗？只是中国人容易妄自菲薄，搞窝里斗……。你看中国那些大型历史绘画不好吗？陈逸飞的《占领总统府》、张文新的《巍巍太行》、何孔德、杨克山等的大型历史性创作，还有很多的作品技法上都绝对具有世界级水平，放在世界哪个博物馆都不差，为什么没人敢出来说句公道话呢？说一句“好”呢？说穿了是国人的一种阴暗心理作祟，当代艺术我不敢说，具象绘画就我知道的现在绝对是世界第一，无论从哪个方面看都是如此，你不信就走出去瞧瞧！

　　西方现在的写实绘画已经不占主体了，但是我们国家还有许多像您这样的画家一直在坚持做这一块，是为什么呢？

　　冷军：西方也没放弃写实绘画，只是它边缘化了而已，进入一种研究状态，就像我们保留京剧一样……西方艺术十分多元，主体艺术当然是其当代性的艺术，绘画部分的确十分萎缩，其原因很简单，他们的城市街道到处都充斥着过去的传统艺术，博物馆也是一样，古典无处不在。他们已没必要坚持这类东西了，即使这样，传统艺术变换着样式仍然在维系着适度的发展，十分可怜而已！中国不一样，油画引进百余年以具象写实为主体，大量的艺术家都经历过艰苦的学习与磨砺，掌握了高深的技巧与审美。这么大一个群体和受众面，随便放弃可能吗？也很可惜呀！再说这不是中国的一大特色吗？历史选择了这样一个状况能说变就变吗？变了又有多少好处呢？都去做当代艺术，那当代艺术家还有饭吃吗？另外，中国的文化有个重要的因素就是注重学习和传承，创造是西方的概念，特别是当代社会随着自然资源的不断耗散，社会性观念也要做相对的调整。为创造而创造就意味着浪费，而艺术恰好就是为创造而创造。其实我们简单的比对一下东西方文化特质就不难看出未来文化的走向。比如一部美国大片，一般都要耗资数亿，但很少有人去重复看第二遍，为什么呢？新鲜感！第二遍不新鲜了，感官刺激也就不会太强烈，是不是觉得有点浪费呢？传统电影和戏剧就不是这样，特别是中国的传统戏剧，是完全可以反复观看的，是不是很节约呢？投入少，收益大！而且必须反复看，是越看越耐看，越看越看得懂，越能看进去！还有，现当代绘画动辄巨制，画面巨大，不大又怎么能拽得住你的眼球呢？但你能看上一分钟吗？绝对少有！所以当代艺术展酒会嘉宾里鲜有看画的，多半是来会见新老朋友的。基本上是一个标准的社交场所，一个时尚生活内容而已！传统绘画则恰恰相反，它是可以让观众反复观看和体会的。所谓艺术欣赏多半是针对传统艺术的。例如：中国的书法、篆刻等。真是方寸之地见乾坤，是不是很经济呀？一点都不浪费，当然我是从一个十分狭隘的角度，一个小的方面谈东西方文化的未来前景。中国的现当代艺术无疑是我们这个时代的艺术成果和现实写照，是必须的，不可或缺的！是我们这个时代的大文化特征！没有它们，我们这个时代的艺术将是一个空白。但是前人也为我们今天创造了丰富的物质和精神财富。我们不去正确对待，一味的不顾一切的制造属于自己的历史，在资源十分有限的今天是不是一种釜底抽薪的行为呢？

　　传统上的写实性绘画您是代表，而当代艺术中您也不可忽视，请您谈一下传统和当代两者之间的关系。

　　冷军：简单理解，当代性就是现代人制造的成果，其属性就具有当代性，他是前无古人的。我可能在一个很浅的层面上是有一点这样的属性。我所说的很浅的层面主要是指视觉技术层面，我想这一点是前无古人了。另外，传统与当代之间的关系简单的讲过去的都是传统的现在的就是当代的。沿袭过去的就是传统，新建和原创的就是当代。我们讨论这关键是要在相对高的或有价值的层面谈传统和当代才有意义，那就是原创和非原创的问题，具有当下社会意义与否的问题。传统与当代不是一个对立的关系，尽管早先现代艺术是针对传统艺术的反叛和否定，但是今天是什么时代啊？能那么狭隘吗？历史发展至今，该经历的都已经历过了……继承、创造、支持、反对、肯定、否定等…… 谁高谁低、谁好谁坏、不是那么简单的判断。社会文化多元化是很深层次的东西。简单和粗暴的反应都是十分不和谐和有害的。当代艺术中就没有审美吗？就没有高质量了吗？没有健全的心智和高尚的情操了吗？传统艺术就没有原创的可能了吗？没有思索与批判了吗？没有对社会深层次的切入了吗？应该是你中有我，我中也少不了有你的关系，是一个相互映衬、相得益彰的关系。我们换个角度看当代艺术是我们这个时代的产物，但传统，哪怕是纯粹传统的东西能够在当下很好的生存不也体现出新当代与旧当代的不同吗？在当代的浪潮中，传统的出现是否本身就更具当代的意义了呢？另外，在文化逐渐丧失前沿性、先锋性的当下，真真实实存在的文化现象将是利用一切可利用的文明成果解决当下的一些实际问题。针对当下人类的一些疯狂举动，当代的那些办法能解决问题吗？中国传统国学被现代人不断地提及并运用甚至弄成了一种新的时尚，是不是也很当代呢？其实还有不少伪当代、伪传统，沽名钓誉的行为也比比皆是。今天就是在真真假假、虚虚实实之中游刃有余，各得其所！纯粹意义上的文化艺术只发生在古代！