“原作100” 亨利·卡蒂埃·布勒松：《巴黎圣札尔火车站后》 尤金·史密斯：《西班牙乡村系列之纺纱工》

　　创意场

　　创意是一种打破传统的大胆尝试，而经典则是历经审读依然回味无穷的大作。大凡传世的经典作品，起初都是以惊人的创意示人。在摄影这门艺术中，经典与创意更是密不可分。近日，“原作100- -收藏家靳宏伟藏20世纪西方摄影大师作品巡展”在广州时代美术馆举行，透过摄影大师的镜头下银盐展示出来的画面，我们能够感受到这些经典摄影原作的奇妙创意。

　　进入摄影原作挖掘创意和个性

　　在今天看来，摄影大师的经典作品毫无疑问是一件富含创意的艺术作品。但在摄影技术刚被发明出来的时候，摄影的身份引起人们的怀疑：究竟摄影是一项记录图像的技术，还是可以超越记录的功能，成为一门艺术？摄影究竟可以承载多少创意思想与艺术价值？

　　从世界摄影大师的经典作品中，可以找到这个问题最生动的答案。“原作100”中的作品是由收藏家靳宏伟提供的摄影原作。靳宏伟在上世纪80年代末留学美国，是中国大陆在美国取得摄影硕士的第一人。由于一直有摄影情结，在事业获得成功之后，他开始收藏摄影大师作品。

　　靳宏伟在本次展览致辞中指出，摄影家与任何领域艺术家是一样的。靳宏伟指出，“一个真正好的摄影家，他的心一定是个流浪者。真正有天赋的摄影家更多的时候是在消遣中创造出杰作的。事实上，伟大的摄影家跟任何一个艺术家一样，首先是个心胸开阔的人，他们从未想过用摄影来改变世界，却用他们的作品改变了人们对世界的看法”。

　　摄影与绘画，同样位处艺术的世界，各自扮演着不同的角色。在摄影刚诞生的时候关于摄影与绘画关系的讨论一方面在绘画中加速了现代主义艺术的诞生，另一方面也让摄影明确了作为一种艺术门类的地位。

　　对于绘画艺术，原作与复制品的差异是显然易见的。但在摄影的领域，这个差异似乎一直被忽略。本次展览的学术主持，中央美术学院美术馆馆长王璜生(微博)在展览前言中提到，“似乎摄影与‘复制’总联系于一起，摄影的复制性也被理所当然地看成摄影的特性……摄影作为艺术学和历史学的‘原作’概念渐渐地被忽视”。

　　“原作100”展览的目的就在于，通过大师经典的原作，给观众一个直接进入摄影师作品本身，体验当中的微妙信息和独特的个人经验，直接挖掘出作品的创意手法以及透视灵魂的种种内容。

　　国内需要补大师原作的课

　　作为80年代末留美的中国留学生，收藏家靳宏伟在展览上讲述了一段他刚到美国学摄影的故事。靳宏伟提到，当时美国马里兰艺术学院摄影系的系主任向同学介绍他时，称他是“我们学院163年历史上第一个从中国大陆来的学生”。当被问到“你知道除中国以外的世界摄影家吗？”，当时的靳宏伟不假思索地回答“亚当斯、布勒松”。“还有呢？”系主任再问，靳宏伟的回答是“没了”。系主任问：“在你们的国家里，这两位就是世界上最最伟大的摄影家了？”，他的回答“应该是的”引来大家的笑声。

　　靳宏伟以自己的亲身经历讲述了过去国内在摄影专业教育和研究中的缺失。而中央美术学院美术馆馆长王璜生也指出，中国的摄影起步不算晚，在法国人达盖尔于1839年发明摄影术几年后，香港、澳门就有“照相馆”开设。但是，从摄影作为一门完整的技术科学到学术意义方面的人文学科与艺术学科来讲，中国的摄影是比较滞后的。

　　本次展览的策展人，中央美术学院美术馆学术部的蔡萌博士也指出，国内摄影界长期对于摄影原作，尤其是摄影大师的原作缺乏认同，导致摄影语言缺失。王璜生指出，我们组织策划“原作100：美国收藏家靳宏伟藏20世纪西方摄影大师作品展”，希望能带来对中国摄影一系列现实和问题的思考，并与大家来共同探讨和推动中国摄影的学科性建设。

　　■名词解释

　　摄影原作

　　所谓摄影原作，是指由摄影家、摄影艺术家拍摄后亲自进行后期制作完成，或在艺术家亲自介入指导而由制作工作室按其要求完成的作品原件。应该说，这样的作品原件，体现了艺术家对其作品的丰富、微妙、严格、分寸尺度等等的把握及美学要求。这里，隐含着艺术家的个人性和独特性，也包含着时间、历史、技术等等的独特因素。

　　■作品SHO W

　　尤金·史密斯《西班牙乡村系列之纺纱工》

　　尤金·史密斯在西班牙邻近葡萄牙的高原上，看到这个被阴霾笼罩着的小村庄，里面的人在贫困与绝望中的挣扎。那一张张质朴、无助，但信仰强烈的脸孔使尤金·史密斯深受震动。

　　“原作100”点评：人们期望一件艺术作品应该具备一致性、力度和个人责任，尤金·史密斯可能是最勇敢地尝试让照片满足这个期望的摄影师。可以看到他对个人责任的坚持与群体报道的体制并不十分相称。他无疑是照片故事实验的领袖，但这种引领艺术发展的风格并未一成不变地被人追随。

　　大师语录：大部分摄影师都是把一块玻璃板隔在自己与被拍摄对象之间。他们无法深入进去，了解被拍摄对象。

　　爱德华·韦斯顿《菜椒》

　　爱德华·韦斯顿拍摄《菜椒》花了一个星期的时间，进行了多种方式的尝试。最后，他将菜椒置于一个铁皮罐中，通过精心的布光和铁皮罐的反光，丰富或简化了菜椒不同部位的不同细节，展现出惊人的线条美与质感美。

　　“原作100”点评：似乎日常体验的东西已经被韦斯顿改造成为有机的造型，其形式是对生命的表现和证明。韦斯顿的作品所具有的令人愉悦的视觉力量，是一个更大成就的产物：他已经让自己的双眼摆脱了常规的期望，教它们观察自然形式中隐藏的真情告白。

　　大师语录：我真正的计划可以用两个字来概括，那就是“生活”。我期待拍摄吸引我的这两个字所暗示的一切。

　　罗伯特·卡帕《以色列》

　　罗伯特·卡帕的作品《以色列》中，展现了一位持枪士兵在战火的废墟中躬身行走的画面，一个真实的瞬间如同电影一样真切而细腻。

　　“原作100”点评：身为战地摄影师和摄影记者，罗伯特·卡帕亲历了五次战争。他以重新界定了战地新闻摄影而著称。与之前那种远距离拍摄的照片不同，他的作品是直接在战壕中拍摄的。

　　大师语录：你拍的不够好，亦因为你靠得不够近。

　　亨利·卡蒂埃·布勒松《巴黎圣札尔火车站后》

　　《巴黎圣札尔火车站后》是公认的布勒松最精彩的作品，这一幅拍摄于1932年的作品捕捉了一名男子跃过巴黎圣札尔火车站后一个水坑的情景。布勒松一生中只使用最普通的一台35毫米莱卡相机，而且只用黑白胶卷拍摄，甚至从不用闪光灯。

　　“原作100”点评：布勒松的照片受到其他摄影师的敬重，因为这些照片雅致、协调、简约、令人惊喜，具有张力和视觉上的风趣。这是一种优秀体操运动员或舞蹈演员的特色，或者说是一幅优秀摄影作品应该具备的品质。

　　大师语录：拍摄照片就是要屏住呼吸，全部的官能都集中在一个点上，捕捉稍纵即逝的现实。就在那个瞬间，抓住一幅影像就成了巨大的身体与心灵的快乐。

　　哈罗德·艾格顿：《球手开球》

　　哈罗德·艾格顿1926年进入麻省理工学院，是电子闪光灯的发明者，一生致力于记录肉眼无法看见的东西。《球手开球》这幅作品运用多重闪光技术记录了高尔夫球手一个完整的动作，静止的图片充满动感。

　　“原作100”点评：哈罗德·艾格顿是拍摄高速彩色摄影的第一人，也是多重闪光和微妙成像的先驱。他奇妙的作品以照片的形式向我们展示了之前永远无法看到的东西，这些照片也以其精确和优美引人注目。

　　大师语录：别拿我当艺术家，我是一名工程师，我遵从事实，只有事实。

　　采写、摄影：南都见习记者冯嘉安