陈振国 咖啡店 138cm 68cm 
招炽挺 脊梁 187cm 189cm 
孙戈 初试 136cm 69.2cm 
张弘 毕业N年的某次欢聚 345cm 145cm 市美协人物画艺委会召开座谈会，陈振国招炽挺等热议笔墨与绘画的关系：
广州市美协中国画人物画艺委会日前在比玉堂举办了有关“人物画造型与笔墨”的话题座谈会，广州美院教授陈振国、原广州军区政治部文艺创作室副主任招炽挺、广州美协副主席孙戈、广州美术学院教授张弘等分别就有关“人物画造型、素描、书法”等方面展开了深入探讨。
广州美院教授陈振国：
学画就是一个“装”和“扔”的过程
一个人学画的过程，就像摄影的专用背心，有十几个口袋，学画的过程就是不停地往里装的过程。当觉得装得太满，就要开始清理，没用的就“扔”，留下的就是自己的风格了，但装的过程很漫长。
现在理论界经常讲线条和素描，实际上，这里有个误区。就素描本身而言，就包括早期经典素描、法派素描、德国素描、苏派的光影素描。现在大部分人对素描的概念就停留在对苏派光影素描的认知上。中国的学院教育所涉及的知识体系也非常广，单是广州美院的教师团队就有从日本、美国、德国、苏联留学回来的。因此，写实道路的选择其实是很宽的。写实绘画有个特点，视觉上来看接近真实，但越是接近真实，抽象的语言特色就越重要。
书法跟绘画从来没有分离过。从某种意义来讲，线是中国画最大的特点，我也不太认同，我觉得笔才是中国画最大的特点，特别是水墨画。有时候我觉得，中国毛笔那种软性的特点，在宣纸上的效果比较敏感，笔性能充分体现，跟作者心情、性格、文化、素养都是连在一块的。所以，从某种意义上来讲，笔就是风格。毛笔在宣纸上反映的细腻程度，是硬笔没有的，很多西洋画也没有，所以，关于笔的讲究，中国画不能“扔”。
原广州军区政治部文艺创作室副主任招炽挺：
绘画探索离不开传统笔墨
写实这条路一定要解决造型问题。我发现很多画家年纪大一点的时候，就没有了年轻时对造型的敏锐触觉，也许就是因为造型问题在年轻时没有得到很好的解决。有时候非常简单的对象，画出来都感觉不舒服。不是说画得像照片一样准确就好看。关于造型问题，一定要有美感，特别是画小写意，一定要解决好这个问题。
我为什么强调造型问题？老一辈的画家，画过连环画的，在这方面都有专门的锻炼，构图、人物的组合都能解决。假如笔墨离开形，很难分辨高低。但有形体的约束，马上就可以分高下。特别画写意的，简单几笔，造型能力、才情、笔墨功夫、修养一下就能看出来。但反过来说，因为有难度，才能激发大家更大的兴趣去追求。画画这个东西有什么用？画画其实有时候就是求得心灵的慰藉，有精神的归属感，所以，我们才迷进去，这就是画画的初心。
其实，讨论素描和国画是什么关系，完全没有必要，这不是问题。学点西画肯定有好处。西画有助于提高整体感的把握能力，对大画面的处理，往往是中国画里面欠缺的。说到笔墨，我在小时候跟老先生学过传统的东西，虽然没有进过国画系学习，但基本的笔墨功夫还是具备的，我也注意借鉴吸取一些北方的画法。
我在上海美术馆，有一次看到任伯年先生的一幅原作，介乎于大小写意之间，让我印象深刻的是，他用面块来画，画得非常到位。为什么徐悲鸿先生那么推崇素描？看了这幅作品，我感觉还是有他的道理。有很多东西我们都可以吸收，我比较注意别人作品的优点。
在人物画的探索当中，有的人以花鸟入画，但往往容易单薄，北方是以山水的方法入人物画，所以比较厚重，其实都可以不断地尝试，都可以探索，探索的余地非常广，花样也比较多，但是离不开传统的笔墨，没有传统的笔墨就不耐看。所以，有时候我感觉很后悔，小时候应该学一点诸如颜体这样厚厚的书体，对后来画画应该有好处，现在年纪大了，知道得有点晚。
市美协副主席孙戈：
杨之光老师告诫我画画要简
关于“扔”的问题，很多人都提出过。要敢于“扔”，我觉得很不容易。记得杨之光老师曾看完我的个展后，语重心长地说“要简啊！”这句话切中了我的要害，我觉得太难了。杨之光老师的这个“简”应该和陈振国老师的“扔”异曲同工。我们勤奋、刻苦努力那么多年才把形画准了，成了“本事”，“扔”了，就不知道可以怎么画了？而且在什么时候“扔”？“扔”什么？什么东西是到了一定程度不需要的？比如说素描、速写为的都是造型。但我们发现，真正有成就的大画家们，都因为变形才成为大家。
在现在多元化的态势下，在美术发展的进程里，曾经写实方向是我们追求的最主要风格，但现在多元化了，怎么画都可以。我们现在的困惑在于，每个人遇到的问题都不一样。现在我们不用再为画什么而操心，怎么画才是一个主要的问题。现在对于我来说，“扔”什么我都不舍得。招炽挺老师说的无论从造型的学习、传统的技法，还是书法的事，都是我们国画的基础问题，我觉得自己现在还一直往里面装，在造型方面，我就一直觉得没有装够。就写实绘画来说，说到底还是造型的问题，这里的造型就包括“变形”，“变形”也不是画得不准就叫变形，那种根本就没有达到能画准确的本事而去强调“似与不似”，就是为不会画画装点门面找借口。不论画面怎么处理，要是造型基础不行，画不准，我觉得都是怪的。当然，这是指写实画法的作品。
广州美术学院教授张弘：
创作要表达出自己对世界的看法和认识
我个人认为，本科阶段的学习是以分餐制式的学习为主，并不是自己学想学什么就学什么，而是由学校配好，星期一要吃白菜，星期二要有豆腐……营养搭配全面，所以，本科学生的学习就按教材大纲规定的要求去学。而研究生阶段则应该是自助餐式的学习方式，应具有主动挑选的能力。现在有种现象，研究生的课几乎都跟本科一样，只是重复或加深了一点难度，学生的自主选择也没能强化。此时应培养他们能够选择自己想“吃”的，这才是研究生的学习方式。我想，用这样的方法对待学习传统也是一样。画家为了创作，可在传统里面去寻找缺乏的那些来补充，而不是把传统的东西全部要掌握，那其实是不可能的。
我们也不能总是停留在“吟唐宋的诗、抒古人的意”这样的一种创作阶段。我们有些人，在创作中不是表达自己对现实世界的看法和认识，也没有在作品中反映出自己创作的态度，这就有点舍本求末了。光是模仿传统毫无意义，如何把传统的智慧糅合到我们的画面中，才是我们要解决的问题。
再回到谈人物画的学习和创作。我记得林墉老师几次跟我们谈道：“作为人物画家，一定要在60岁之前画一些大创作，至少是有画过尺幅比较大的这种经历，这也非常锻炼人。”他说：“等到过了60岁，笔墨、经验虽都有了，但可能是体力、眼力与造型的感觉都跟不上，这就很可惜。至少要有意识地把大尺幅创作列入自己的计划中，每个阶段都能留下一点东西。”
来源： 新快报（广州）
